Belako. Cóctel contra males cotidianos.

Tras una larga gira desde septiembre de 2017 con más de 30 conciertos por Rusia, Japón, Corea del Sur, México, EEUU, Alemania, Inglaterra y Escocia… la banda de Mungia presentó ‘Render Me Numb, Trivial Violence’ en febrero en el Palacio Euskalduna. Un álbum que mezcla denuncia y eclecticismo y que supone un nuevo paso adelante para la banda vizcaína.

En la entrevista que os hicimos en AUX 73, cuando sólo teníais un disco, dijisteis que había canciones que no llegaban a la ópera rock, pero casi. ‘Render Me Numb, Trivial Violence’, ¿es vuestro disco más ópera rock por la unidad temática del mismo? Nos hemos esforzado en crear un disco con bastante coherencia dentro de lo ecléctico. El orden de los temas y la manera en que están hilados hacen que gane en la escucha total, aunque en la individual, no se puede negar que ‘Two Faced Simulation’ se acerca bastante a la ópera rock.

La decisión de grabar principalmente en analógico, ¿tuvo que ver con esto? Tuvo más que ver con nuestro técnico de sonido, Iñigo Irazoki, que tiene su estudio Atala en Bera y graba en analógico. Este sistema supuso una mayor preparación de los temas previa a las grabaciones, un ejercicio de síntesis (puesto que las pistas son limitadas), y, como resultado, primeras tomas sin cortes ni trampas, más frescas y reales.

¿Cómo se os ocurren experimentos como emplear la grabadora del móvil? Utilizamos la grabadora del móvil desde siempre como herramienta tanto de almacenaje de ensayos como grabadora para componer. Cuando hemos tenido que trabajar desde la distancia, como es el caso de ‘Strangers In a Box’, Josu pregraba un tema instrumental y Cris le añadía voz y letra. Estamos muy acostumbradxs al sonido low-fi y muchas veces es tan característico que lleva consigo la identidad de los temas. Nos pareció interesante que ese soporte en principio procesual pasase a estar al mismo nivel que las grabaciones de estudio.

El álbum presenta varios cambios de ritmo con la ‘nana’ de ‘Stumble II’ y ‘Hegodun Baleak II’ como algunas de las canciones más tranquilas. ¿Es intencionado que se encuentren más o menos en la mitad y al final del disco? El orden de las canciones está pensado para que las transiciones sean naturales y es importante darle un cierto equilibrio, a veces tienes que compensar los momentos de sobrecarga con algo de calma porque así ambos se aprecian mejor.

Las letras de las canciones son un grito de protesta ante diferentes formas de violencia, la de género, el bloqueo a los refugiados o la corrupción de la clase política…¿Creéis que estos mensajes calarán en el público que os ve en concierto en países de habla hispana? Porque el nivel de inglés del ciudadano medio no es siempre excelente… Pues para eso están las entrevistas y los artículos, ¿no? Para hacer un poco de mediación entre el disco y el público, así a quien le interese y busque podrá encontrar la información que complete el libreto de letras. Aunque el nivel no sea excelente siempre hay interés, justamente el cambio de idioma suscita una mayor curiosidad en torno a la temática de las canciones, y más si nosotrxs mismxs hacemos mucho eco de ello.

¿Qué importancia le dais a las letras? ¿Son para vosotros tan importantes como la música? Han ido adquiriendo mayor importancia a medida que nos hemos ido responsabilizando con qué decir y cómo hacerlo. Hemos decidido aprovechar el tener una voz que se escucha, algo difícil en nuestra generación, de manera que ahora letras y música se retroalimentan, el tipo de composición tinta las connotaciones del texto y viceversa, ambas se influyen.

«Los medios tienden al sensacionalismo, a la banalización de la muerte, a la cosificación de la mujer, a la manipulación, a la demagogia, al intrusismo… En nuestra opinión son fundamentales en mantener operativas las brechas sociales, por lo que son la clave también para cambiar las cosas».

Dentro de esas formas de violencia hacéis especial hincapié en los medios de comunicación y la televisión, ya desde el título del disco. ¿Os parece que los medios tienden mucho al sensacionalismo? Al sensacionalismo, a la banalización de la muerte, a la cosificación de la mujer, a la manipulación, a la demagogia, al intrusismo,… En nuestra opinión son fundamentales en mantener operativas las brechas sociales, por lo que son la clave también para cambiar las cosas. La dimensión educativa del periodismo debe tomarse mucho más en serio.

En este sentido Cris publicó una carta en la que hablaba del machismo en la prensa musical y que hablaba de dos extremos, el cuñadismo y la demagogia. Con respecto al segundo, ¿en qué contextos y de qué maneras os parece necesario o positivo potenciar o destacar la representación femenina en el mundo de la música? Potenciar los espacios de debate para confrontar las contradicciones propias de la industria musical (de todas en realidad) es necesario y constructivo. Visibilizar la realidad de la población no representada en el mundo de la música a través de todo tipo de iniciativas, manifestaciones, videos virales, es y será necesario hasta que las cosas cambien. Que estos movimientos surjan de instituciones públicas, sindicatos u organizaciones alternativas es esencial. El peligro recae en quienes se cuelgan medallas reivindicando la cantidad de mujeres que contratan y utilizando su imagen para el lavado de cara.

El arte del disco de AneMotorazing & Ainize Santos es muy llamativo. Tengo entendido que fueron compañeras vuestras de la facultad de Bellas Artes. Vosotros mismos, ¿tenéis intereses pictóricos? Cris y Josu estudiamos Bellas Artes, nos conocimos ahí, y sin duda es una carrera muy estimulante para las mentes inquietas. Somos tan exigentes por deformación profesional que el arte de este disco sólo estaba a la altura de esas dos pedazo de locas.

¿Cómo surge la idea de hacer una ‘segunda parte’ de dos temas de ‘Hamen’ como ‘Hegodun Baleak’ o ‘Something to adore’? Josu tenía en mente darle continuidad a ‘Hegodun Baleak’ porque había dado con una metáfora muy potente para hablar de las personas migrantes. Están por ver las siguientes partes… ‘Something to Adore (Arinau = Más rápido)’ deriva en esta versión eléctrica ya que la original se quedaba demasiado lenta y atmosférica para el directo, no se ha descartado, pero la nueva tiene un rollo muy Strokes que resulta muy solvente para arrancar bolos.

He leído que en Tokio os encontrasteis con un japonés que hablaba euskera. Aparte de eso, ¿cómo os recibe el público en lugares como Japón o Corea del Sur? Con los brazos abiertos, la verdad. Hemos tenido la suerte de conocer a gente encantadora en nuestra breve visita a Asia. No es tanta la diferencia con el público durante los conciertos, sino más bien con los técnicos, hemos flipado con la eficacia con la que trabajan, no estamos acostumbradxs a que se hagan las cosas tan bien y tan rápido.

«Han sido siete años de avance y trabajo progresivo, sin prisa pero sin pausa. No hay mucho que asimilar, aunque el nombre vaya haciendo más eco, somos cada vez más conscientes de las hostilidades de este mundo y no nos creemos las cosas hasta que no vayan ocurriendo».

Contáis que el recibimiento en Chiapas fue apoteósico. ¿Fue debido a las razones humanitarias que lo acompañaban o a que en esa zona no están acostumbrados a ver conciertos de estas características? Mezcla de ambos factores, la verdad. Muchos grupos mexicanos se sorprendían al saber los pueblos en los que habíamos tocado, fue algo muy especial para todxs. Una importante lección de humildad, porque por desgracia pudimos ver gran parte de los destrozos ocasionados por los seísmos, mientras se nos recibía con todo el cariño y todo el despliegue de medios posible.

¿Sentís que tenéis mayor acogida en el extranjero que en vuestra propia tierra? ¿Podríais haberos mantenido con menos giras por el extranjero? En el extranjero aún estamos en proceso de sembrar y cada vez que volvemos la cosa mejora pero es un proceso lento. Con menos giras por el extranjero no sólo nos mantendríamos, sino que tendríamos menos problemas de pasta. Empezar a moverse lejos desde la autogestión es muy caro, pero es el camino que hemos elegido. Ya vendrán las buenas cosechas.

En nuestra entrevista de 2015 ya nos contasteis algo del tema pero ¿consideráis que ha sido un acierto enfocaros en la autogestión de vuestros propios trabajos? Pese a todo el tiempo dinero y energía que conlleva, sí y mil veces sí. En nuestro caso, tal y como lo llevamos a día de hoy no podríamos operar de otra forma porque nos resultaría muy complicado renunciar a nuestra libertad de decisión respecto a nuestra música. Por ello, la colaboración con quienes tienen mayor margen de maniobra en el extranjero es la fórmula que más nos conviene.

Vuestro ascenso ha sido bastante rápido, ¿cómo lo asimiláis? Vamos a cumplir siete años esta primavera desde el primer ensayo en Belako. Han sido siete años de avance y trabajo progresivo, sin prisa pero sin pausa. No hay mucho que asimilar, aunque el nombre vaya haciendo más eco, somos cada vez más conscientes de las hostilidades de este mundo y no nos creemos las cosas hasta que no vayan ocurriendo. Seguimos teniendo a nuestras familias muy presentes, dando el callo y ayudando (estaríamos perdidxs sin ellxs), y mantenemos los pies en la tierra porque la realidad es que aún no conseguimos vivir de la música. Ascenso rápido de popularidad puede ser, pero creemos más en nuestros progresos como banda, y en que cada disco supere al anterior con creces.

¿Seríais capaces de dar algún consejo a las jóvenes bandas que empiezan? Poneos a tocar sin pensar en nadie a quien pareceros, haced lo que os apetezca y os haga felices, cuidaos mucho entre vosotrxs y si la cosa va para adelante, convertíos en una familia. Texto de Roberto González.