Malquerida. Ambición y deseo.
Natalia Menéndez dirige una versión contemporánea del clásico de Jacinto Benavente, que también adapta en colaboración con Juan Carlos Rubio. Para ello cuenta con un gran reparto encabezado por Aitana Sánchez-Gijón. Hablamos con la directora sobre esta función que realza la poética y el simbolismo de la obra original.
¿Qué te conmovió en la relectura de la obra para decidir que quería adaptarla? Yo creo que ‘La malquerida’ de Benavente tiene mucha fuerza dentro de su ruralidad, dentro de una manera de describir de su época. Trata temas insospechados y sorprendentes para la época e incluso para la actualidad, y me gustaban mucho los personajes. Los encuentro muy creíbles y me parece que cuentan con una pasión desbordada. También hay humor, poética… en fin, tiene muchos alicientes para que me removiera.
¿Conecta con temas recurrentes o de interés en toda tu obra como la justicia? Sí, la verdad es que me ha interesado abordar el tema de la justicia, sobre todo desde el lado del ser humano, con lo poco civilizados que somos y todo el trabajo que se está haciendo para que lo seamos más. Todavía nos pesa mucho ese espíritu tan primario que nos desborda muchas veces, y eso es algo que me parece muy interesante: las pasiones y ver cuánto camino queda para saber amar, para comunicarnos o para no tomarnos la justicia por nuestra mano.
Comentas que reinterpretas la tragedia original con un enfoque poético, acentuando el erotismo, el humor y la música popular. Por un lado está el original de Benavente y luego tenemos está versión, que tiene que ver con sacar la parte, digamos, tragicómica, pero como una tragedia más clara, eliminando un poco connotaciones más blandas, propias de su época, o un costumbrismo que no le hace falta en la actualidad. Entonces ha salido a flote toda esa poética, y luego, claro, estamos hablando de una copla que sucede en tierras más arriba de Madrid, en Castilla y León, y que, al escucharlas, podría incluso parecer flamenco y no lo es, es puramente de esa región. El pueblo, lo que sería el coro en la tragedia, es lo que se resalta en esta función, y se ve claramente como el pueblo está hablando a través de esa copla, a través de la naturaleza. Yo he querido reflejar todo eso, la música y el sonido, de manera muy clara, a través de las piedras, de los brillos, de la naturaleza que habla…
Aitana Sánchez-Gijón debutó a los 19 años sobre las tablas con esta obra en el papel de Acacia. En esta versión aborda el papel de su madre, Raimunda. ¿Fue una elección deliberada desde el principio? Claro, pensamos en ella porque es como un cierre vital con respecto a esta obra. Fue una elección muy consciente, porque yo había visto dos veces el montaje de Miguel Narros hace treinta y ocho años. Me impactó mucho y lo tenía muy presente.
«Trabajar con Aitana Sánchez-Gijón es muy fácil. Es una mujer muy generosa, con una capacidad de trabajo increíble. Es una gran compañera, que tenía muy claro el personaje y hacia dónde ir».
¿Cómo es el trabajo con Aitana, una profesional muy prolífica en el cine y últimamente en el teatro? Muy, muy fácil. Es una mujer muy generosa, con una capacidad de trabajo increíble. Es una gran compañera, que tenía muy claro el personaje y hacia dónde ir. Fuimos muy de la mano de la propuesta que yo le hice, la entendió perfectamente y lo que ofreció siempre fue para enriquecer, para sumar.
Aunque Aitana ocupa los carteles de la obra, el reparto lo completan muchos actores, algunos también de recnombre: Juan Carlos Vellido, Lucía Juárez, Goizalde Núñez, José Luis Alcobendas o Dani Pérez Prada como el Rubio…Son todos magníficos. En el teatro, y en otras artes, se trata del conjunto, del equipo. Por eso el reparto ha sido elegido con muchísima precisión. Dani Pérez Prada hace un personaje misterioso, del que no puedo desvelar demasiado.Juan Carlos Vellido es el segundo marido de Raimunda, de Aitana. Goizalde Núñez es impresionante, es una actriz que puede ser trágica y cómica a la vez. Te podría hablar de todos, porque para a todos los admiro y con todos he trabajado muy a gusto.
A través del vestuario, escenario e iluminación parece acentuarse una gama de colores concreta, entre lo azul, lo marrón y lo rojizo. Claro, porque nos hemos salido de lo figurativo, del naturalismo, para ir hacia un realismo poético, hacia el simbolismo. Por lo tanto son más colores que tienen que ver con nuestras emociones, con nuestras sensaciones, que con una descripción pura y dura, así como también la escenografía, las paredes son las paredes que sufren, que tienen dolor, que tienen historia … junto con la luz, las paredes hablan mucho.
Queríamos también que hubiera perspectivas y fondos y diferencias para que haya personajes en primer término, en segundo, en tercer término, que hubiera un poco de movimiento y que no todo estuviera en primer plano. Que siempre hubiera figuras que ven, que escuchan o que son vistas. Con respecto al vestuario, queríamos no hablar sólo del luto sino también del estado en el que se encuentra cada personaje .
Es una obra de Producciones Off, dedicada a proyectos con una marcada voz autoral. Producciones Off supone una producción privada que asume un montaje con ocho actores y me parece que es un atrevimiento en estos momentos. Ahora mismo hay que lanzarse y atreverse y vamos, digamos, muy pertrechados porque es una gran compañía de grandísimos actores. Son grandes creadores que han realizado no sólo un espectáculo bello, sino un espectáculo que habla desde la parte más visual y también al oído. Merece la pena ir a verlo porque este espectáculo tiene muchas cualidades que no son habituales.Texto de Roberto González. Fotografía de Marcos Gpunto.
